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03/05/2019
San Ero, patrón de la facultad

Hoy cerramos por San Ero. Pero, antes de la fiesta del día 9, un poco de historia.


Quién fue San Ero? 

Don Ero fue un noble cuyo gran deseo era el de tener hijos con su esposa. Para eso, se encomendaron a Dios y éste les encargó que se dedicaran a la descendencia espiritual como pastores de la Iglesia. Fundó entonces el monasterio de Armenteira (ayuntamiento de Meis) en el año 1150 y poco después fue elegido abad. Cuenta la leyenda que un día salió a pasear por el campo, donde siempre encontraba tranquilidad, y quedó cautivado por el canto de un pájaro. El resto de monjes, preocupados por su tardanza, fueron a buscarlo sin éxito. Estaba tan embelesado por aquella armonía que perdió la noción del tiempo hasta que un día despertó, 300 años más tarde, pareciéndole que habían pasado minutos. Cuando se dispuso a volver al monasterio lo encontró totalmente cambiado y lleno de extraños. Allí dentro tampoco lo conocía nadie pero, buscando en los registros, descubrieron que efectivamente había sido uno de los primeros regidores del monasterio. Murió poco después y su tumba nunca se encontró. De ahí el milagro de San Ero. Y de ahí nuestro longevo patrón. 

Con varias modificaciones hechas a lo largo de los siglos, el monasterio de Armenteira es uno de los templos cistercienses más reconocidos de Galicia y un gran exponente del románico gallego. Actualmente está habitado por las monjas cistercienses desde 1989. 

*Este mito de tradición celta fue cristianizado y recogido por Alfonso X El Sabio en la Cantiga 103 de Santa María.

Por qué es San Ero el patrón de la facultad? 

Para saber el motivo de la elección de San Ero como patrón de la facultad, preguntamos a Juan Fernando de Laiglesia, primer decano de la facultad y uno de sus impulsores:

"Cuando en septiembre de 1990 tuvimos que plantear un nuevo plan de estudios, distribuir las aulas según los contenidos y entrevistar a los 280 solicitantes para las 120 plazas que tenía el primero curso, la Rectoría nos comunicó que para hacer el calendario de festivos para cada facultad se necesitaba un Patrón. Revisamos a fondo el santoral sin encontrar relación alguna con las artes a excepción del Ero de Armenteira que, estando el monasterio cerca del campus pontevedrés y narrándose además en las cantigas de Alfonso X (que quedó hipnotizado casi que eternamente por la belleza de la música) fue el Patrón elegido. El hecho de no haber sido reconocido entre los suyos y el dato de perderse en la naturaleza fueron cualidades que al primer equipo decanal y a los compañeros consultados nos parecieron importantes. Pensamos que era el santo más idóneo. La fecha del 5 de mayo fue marcada por la Rectoría". 

Aquí tenéis un enlace a la Cantiga 103



25/04/2019
Entrevista a Verónica Vicente

Puedes descargar la entrevista en Pdf aquí

Graduada en Bellas Artes y con un Máster en Arte, Museología y Crítica Contemporáneas por Universidad de Santiago de Compostela y otro en Fotografía Conceptual y Artística por la Escuela EFTI de Madrid, Verónica Vicente trabaja en la intersección entre la fotografía, la escultura y la video-performace. Su proceso se sitúa en ese espacio de hibridación en el que se refuerzan las potencialidades de cada lenguaje para ponerlas en relación a una idea o concepto. Desde el inicio, destaca su interés por la cuestión de la identidaden la sociedad contemporánea, investigando nuestros diversos perfiles en un contexto multipantalla que imposibilita el encuentro del yo. Sus series fotográficas exploran la idea de la apariencia y la corporeidad integrando al espectador en esa frágil línea entre lo privado y lo público, haciéndonos reflexionar sobre la imagen que proyectamos y tratando de investigar nuestros propios orígenes. 

Actualmente ha sido reconocida con el Premio de Fotografía Joven Fundación Enaire en JustMad 2019 y su obra está depositada en colecciones como la Fundação Bienal de Arte de Cerveira, el Colegio de España en París, el Centre d’Art La Panera de Lleida o el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, entre otros. Su trabajo se ha podido ver en muestras individuales en la galería La Gran de Valladolid o en la Casa de la cultura de Pontedeume dentro del Festival Outono Fotográfico (2013) y ha sido presentado en multitud de exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional.

Una estrategia de la apariencia, 2012.

Desde tus primeros trabajos te ha interesado la idea de cuerpo e identidad. Sin en un primer momento esas preocupaciones tenían que ver con nociones sobre lo privado y lo público o con preguntas como ¿quién soy? o ¿quién soy ante el otro? en series como Una estrategia de la apariencia o Figuras decorativas el discurso se ha ido centrando en el concepto de invisibilidad u ocultación. Háblanos de esta evolución.

Creo que he tomado más conciencia de mi cuerpo, de mí misma, y he centrado la preocupación en su corporeidad. Si bien es cierto, antes no aparecía o si lo hacía era porque el hecho de haber sacado la fotografía me delataba y, al mismo tiempo, delataba al espectador al hacerlo cómplice de la acción, como sucede en Frontière à ne pas franchir? Digamos que ahora el cuerpo ha pasado a ocupar un lugar determinante. Es protagonista aunque se ve reducido a forma, luz y materia y aparece totalmente despersonalizado. Me interesa especialmente esa frágil línea que separa lo privado de lo público, el estar y el no estar, el ser un cuerpo (vivo) o simplemente materia propia de objeto. Se podría decir que simplemente ha habido un cambio de posición con respecto a la cámara: antes solo aparecía detrás, como voyeur, y ahora soy el objeto de la mirada. 

En una sociedad cada vez más tendente a la virtualización del yo, en la que nuestra imagen aparece reproducida en miles de pantallas y muchas veces modificada en cuanto a su apariencia real, lo que propones es precisamente lo contrario: la eliminación del sujeto.

Tengo la sensación de que nos estamos desdibujando... Nuestra identidad en la red se multiplica con tantos perfiles como aplicaciones y, al final, acabamos por no saber cuál es nuestra identidad real: la que filtramos en la red o la que mostramos cuando estamos cara a cara. En la sociedad en la que vivimos hay un exceso de imágenes y van a tal velocidad que se vuelven imposibles de asimilar. No paramos de sacarnos selfies, cuando viajamos sacamos compulsivamente fotografías sin tomar conciencia del lugar, ni de nosotros mismos. Si no sacamos alguna fotografía y la subimos a una red social no hemos estado allí. Vivimos a través de la pantalla. Hay un exceso de información y distracciones. La sensación de que todo toma una especie de halo borroso es cada vez mayor. Casi tan borroso como el selfie que sacamos a prisa en cualquier lugar y guardamos en cualquier tarjeta de memoria de cualquier dispositivo... 

Utilizas la tela para invisibilizar el cuerpo, para convertirlo en un ente amorfo y despojado de personalidad. 

Hablamos continuamente de cuidar el cuerpo, de estar en forma. Nos preocupamos por la apariencia ante los demás pero hacemos poco por pensarnos y analizarnos, por parar y tomar conciencia de nosotros mismos. El ritmo acelerado de la sociedad, los estereotipos que propone (o impone), hacen del cuerpo un objeto casi escultórico, moldeable y despersonalizado. Todos seguimos los mismos modelos. Vestimos igual y parece que debemos tener la misma “forma” musculada de gimnasio para ir en el mismo sentido en el que va la sociedad, la moda, la publicidad... 
Para las acciones que realizo utilizo ropa normal: un jersey, falda o vestido... cualquier pieza de ropa cuya tela sea un poco flexible y se adapte al cuerpo para darle forma. Y es así porque quiero incidir en esa vorágine de consumo y preocupación por la estetización del cuerpo, desde su vestimenta hasta al excesivo culto al cuerpo.

Desde otra perspectiva, podemos pensar por ejemplo en las grandes envolturas arquitectónicas de Christo & Jean Claude que servían para modificar el paisaje circundante y generar mayor expectación sobre aquello que ocultaban. Al anular su aspecto se crea una especie de admiración o de curiosidad por lo que hay debajo. En tu caso, ¿esta idea de ocultación tiene también que ver con eso?

Exacto, al jugar con esa invisibilidad se acaba generando mayor interés sobre lo oculto. Convertir el cuerpo en una “escultura decorativa” (de forma literal) es evidenciar su estado como objeto, objeto de la mirada del otro. Aquel que es construido o esculpido por y para su contemplación, con el fin de ser deseado. Cuando el espectador se da cuenta de que ahí debajo hay un cuerpo, su gesto cambia. Y es ahí donde quiero ir, a la reflexión sobre el cuerpo sometido a los estereotipos, los cánones o las modas. Cuando el cuerpo es atrapado por sus propias vestiduras.  

Figuras decorativas, 2015-2017.

Hablas de que el cuerpo se convierte en escultura. Podríamos decir que tu trabajo transita en un espacio híbrido en el que se conectan fotografía y escultura. Recuerda a cuando Bernd y Hilla Becher recibieron el premio de escultura en la Bienal de Venecia de 1990 (León de Oro) por sus fotografías.

Es algo que me interesa especialmente, la conexión de diferentes disciplinas. Cuando la escultura tiene tanto peso como la fotografía. Incluso se puede decir que trabajo con acciones que se convierten en escultura y que luego registro en fotografía o vídeo. Me gusta que haya un equilibrio, que todos los elementos que aparecen estén por algún motivo y, sobre todo, que no haya nada que no aporte algo a la imagen. Tengo la sensación de que cada vez trabajo más la escultura que la fotografía... y esa idea me gusta. 

Hablemos ahora de tus video-performance. En estos casos el cuerpo abandona su lugar como objeto inerte y comienza a moverse sutilmente, mostrando a veces algunas de sus extremidades. Estas figuras se convierten ahora en el único punto móvil de la imagen. ¿Qué buscas representar en estas piezas?

Cuando realizo esas acciones, mi cuerpo se ve reducido al espacio de una prenda de ropa. Es un tira y afloja entre el tejido y mi cuerpo oprimido. Visualmente puede resultar estético, atractivo, pero si viésemos cómo está ese cuerpo ahí dentro quizá nuestra percepción cambiaría. La facilidad con la que el cuerpo pasa a ser materia más propia de un objeto subraya su vulnerabilidad y fragilidad. Su atractivo visual deja oculta la identidad. Son acciones que pretenden agudizar la crítica sobre el cuerpo que es pensado para los demás, la excesiva preocupación sobre la fachada y la imagen que proyectamos.
 
¿No es un poco kafkiano?

Totalmente. La sensación, al estar dentro de esa ropa que me oprime, perfectamente podría recordar a la situación de agobio y estrés que sufre Gregor Samsa en la Metamorfosis

Con tu nueva serie, Escrito en las hojas, das un pequeño giro temático a tu obra. Confrontas el papel de los libros, repletos de historias, con las hojas de los árboles que se caen y desaparecen cediendo su lugar a otras. ¿Qué originó este trabajo?

En mayor o menor medida, todos mis proyectos conectan conmigo misma, con alguna preocupación, obsesión o circunstancia... En este caso realizo una vuelta al origen, a las raíces, al lugar que siempre ha estado presente aunque haya tomado distancia. El lugar al que llamamos hogar, de donde decimos que somos o pertenecemos. De forma metafórica, los libros, sus páginas, son las hojas del árbol de la vida; donde forjamos y escribimos nuestra historia personal. La idea de la hoja que cae en otoño pero vuelve en primavera es aquello que te distancia del lugar de origen (de las raíces) y, al mismo tiempo, te iguala y te identifica. 

¿Tiene algún sentido la selección de los libros o es arbitraria?

Los libros forman parte de la biblioteca de mi tía, lectora compulsiva y amante de los libros desde siempre. Gran parte de su maravillosa colección la tiene en casa de mi abuela, lugar en donde viví cuando era pequeña. Recuerdo jugar y dormir en la habitación donde estaban (y todavía están) todos esos libros. Usarlos conecta directamente con mi infancia y con esa casa. 

Siguen latentes cuestiones como el camuflaje, la adaptación al medio o la revisión de la identidad.

Son conceptos que siempre están presentes; cuestiones existenciales a las que vuelvo continuamente en busca de nuevos puntos de vista, como una necesidad inagotable e incesante de revisar y analizar quién soy con respecto a lo que me rodea. Cuestiones que planteo sobre mí misma en un primer momento para luego extrapolarlas a un plano colectivo o social. Me interesa analizarme en el contexto, qué es lo que me afecta, los hilos que dirigen la sociedad y las problemáticas cotidianas. Todo aquello que nos afecta acabará formando parte de nuestra identidad, nos transforma y nos posiciona. 

Ahora se trata de un objeto inerte (el libro) que se llena de significado por la acción humana mientras antes el cuerpo se despersonificaba para convertirse en algo inactivo.

Aunque formalmente es un proyecto diferente, Escrito en las hojas tiene mucho que ver con proyectos anteriores. Los libros también aparecen despersonalizados, su identidad aparece oculta; no sabemos ni el autor, ni su título. Tampoco sabemos nada de la historia que nos cuentan. Nuevamente su presencia se ve reducida a lo puramente material, como mi cuerpo en acciones anteriores.

Es cierto lo que dices en cuanto a la visualización o construcción final de la obra. Pero, si nos vamos al plano conceptual, pienso que esos libros están más cargados de significado. Hablas de la experiencia, de volver al origen, la importancia del hogar… cuestiones que tienen que ver con un componente indentitario que precisamente se ocultan en anteriores series. O tal vez son diferentes modos de leer tu trabajo…

En ese sentido, quizá tenga que ver con el carácter metafórico que adquieren los libros al ser descontextualizados y puestos en contacto con el medio natural, con su verdadera naturaleza. Si lo pensamos bien, los libros también regresan a su origen. De la puesta en relación con el árbol, con sus hojas, se desprenden conceptos ligados a la formación de la identidad, la marcha y el regreso, los ciclos de la vida... Una visión poética sobre la naturaleza identitaria y cómo a partir de ahí aprendemos, filtramos u absorbemos, en mayor o menor medida, todo aquello que acabará formando parte de nuestra identidad. 

Escrito en las hojas, 2018.

La escultura adquiere aquí mayor protagonismo, ya no es intuida a partir de esa ocultación del cuerpo sino directamente construida. Parece casi un ejercicio de Land Art. ¿Cómo planteas la construcción de la imagen?

Por lo general, primero busco las localizaciones y luego vuelvo con los libros -son muchos y muy pesados-. De esa forma puedo hacer apuntes previos en el estudio aunque dejo una buena parte a la improvisación y a las exigencias del propio lugar. Me parece mucho más interesante resolverlo in situ que llevarlo totalmente planificado. Además, es esencial que se adapten al terreno o a los árboles y acaben formando parte de un todo. 

Otra cosa que está muy presente en todas tus series es el cuidado de la escenografía. El equilibrio de la composición o el color, por ejemplo, también juegan un papel importante. ¿Cómo es todo este proceso previo de decisiones para llegar al resultado final?

La búsqueda y elección de los espacios y localizaciones es, normalmente, lo más laborioso. Pero también lo fundamental, al igual que la luz, que siempre es natural. En Escrito en las hojas está muy condicionado a la climatología y a la estación del año. Al tratarse del bosque solo tomo las fotografías con días nublados para conseguir una luz suave y evitar altos contrastes. También me condiciona la estación del año; he empezado esta serie en otoño, por el tono marrón que adquiere el bosque, la caída de las hojas... Sin embargo, ahora en primavera, con el reciente brote de las hojas nuevas lo dificulta un poco más. Pero consiste en recorrer el bosque hasta visualizar un determinado espacio que por alguna razón encaje en la idea que previamente he trabajado. 

Por su parte, en Figuras decorativas, la búsqueda de espacios (salones o estancias de casas señoriales) fue todavía más compleja ya que, además del hecho de tener que acceder a palacetes particulares o privados, necesitaba de ciertos permisos. En ocasiones me han abierto la puerta de par en par y, en otras, la han cerrado sin escucharme, todo hay que decirlo. Al final lo he podido resolver entre el sur de Pontevedra y norte de Portugal, incluyendo Oporto. En esta ocasión, llevaba la idea bastante trabajada (al haber visitado previamente el espacio), una selección importante de ropa pero también un buen porcentaje de improvisación; normalmente solo tenía acceso unas horas en las que debía resolverlo. 

Por último, nos queda felicitarte por el reciente Premio de Fotografía Joven Fundación Enaire en JustMad que recibiste este 2019 y preguntarte si este reconocimiento te ha abierto otras puertas y cuáles serán tus próximos pasos. Muchas gracias por atendernos!

El premio es sin duda un aliciente enorme, una motivación extra y un chute de energía para continuar por ese camino. Gracias a Fundación Enaire, tres reconocidos fotógrafos me están aportando su experiencia en un trabajo que será expuesto en el acto inaugural de PhotoEspaña en el Jardín Botánico de Madrid.

También estoy preparando una exposición individual en Espacio Alexandra (Santander) que hará parte de la programación off de PhotoEspaña. Y gracias al trabajo incansable de Pedro de la galería La Gran también estamos preparando un pequeño libro sobre mi trabajo y será presentado en ese mismo espacio. 

Muchas gracias, es un placer :) 


02/04/2019
Coloquio con Diego Santomé

El artista Diego Santomé estará este jueves impartiendo la conferencia/ coloquio "Xilografías".

Jueves 4 de abril a las 13.30 horas en el taller de gráfica



02/04/2019
Jornadas de Investigación del Programa de Doctorado en Arte Contemporáneo, creación e investigación

PROGRAMA

MAÑNA
9:30   García Becerra, Iria
10:00 Navarrete Álvarez, Laura
10:30 Teresa Ferreiro Peleteiro
11:00 Marta Fariña Rodríguez
11:30 DESCANSO
12:00 Fernández-Novoa Vicente, Elena
12:30 Pérez Folgado, Ignacio
13:00 Ramón Soriano, María del Mar
13:30 Sánchez Vaccarello, Denise
14:00 Recio Moríñigo, Paloma Lucía

TARDE
16:00 Suniaga Marín, Susana Teresa
16:30 Bouzas Loureiro, Nuria
17:00 Álvarez Bautista, Julio Manuel
17:30 López Villar, Rebeca
18:00 Domínguez Torres, Andrea


25/03/2019
Entrevista a Nuria Díaz (diseño e ilustración)

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo y con un Máster en Arte y Comunicación  cursado en Acme Galicia, Santiago de Compostela, Nuria Díaz ha centrado su carrera artística en el ámbito del diseño gráfico y la ilustración. Tras obtener en el año 2010 el Premio de Ilustración Pura e Dora Vázquez de la Deputación de Ourense, focaliza su trabajo hacia el mundo de la ilustración editorial, publicitaria y de producto. 

Han confiado en ella editoriales como Planeta, Anaya o Xerais y empresas como Samsung o Bezoya, entre otras. Recientemente ha publicado Gran Hotel Wes Anderson (Lunwerg Editores, 2018), un libro que nos aproxima al director americano para marcar un recorrido a través de su biografía y filmografía, entablando un curioso diálogo visual entre los universos del cine, la ilustración y la animación. Actualmente cuenta con una marca propia que promociona y vende a través de su página web. Hablamos con Nuria sobre los retos y dificultades del trabajo creativo, la necesidad de reivindicar y visibilizar la ilustración y las diferentes estrategias que emplea a la hora de formalizar sus proyectos.


Te formas en Bellas Artes pero inicias tu carrera en el ámbito del diseño y finalmente te decantas por la ilustración como salida profesional. Háblanos de esta evolución y cuéntanos de qué manera ha influido tu formación como artista en tu trabajo actual.

En los últimos años de Bellas Artes me decanté por las asignaturas más enfocadas al diseño o el ámbito audiovisual, me interesaban más que la profesión de artista. Estuve varios años trabajando como diseñadora gráfica por cuenta ajena, en agencias de diseño y publicidad. La ilustración se puso en mi camino cuando me quedé en el paro y comencé a retomar el dibujo, algo que no había dejado del todo pero a lo que no le había dedicado el tiempo necesario. A raíz de ganar un premio en un concurso de ilustración comencé a fijarme en este mundillo. De mi paso por Bellas Artes me llevo sobre todo mi formación en dibujo, que es lo que más me ha ayudado en mi trabajo actual. Recuerdo las clases de dibujo al natural como lo mejor de la carrera.

Desde que inicias tu carrera profesional hasta hoy, ¿has notado un avance en cuanto a la visibilización y dignificación de la ilustración?

Llevo pocos años en el mundo de la ilustración (desde el 2012) y en este tiempo sí que han ido surgiendo más propuestas ilustradas para todo tipo de público. Se ha afianzado el libro ilustrado para adultos, por ejemplo. Pero en cuestiones como la dignificación de la profesión queda mucho por hacer. No se acaba de valorar la profesión, las remuneraciones para el ilustrador siguen siendo muy bajas y por desgracia tenemos un sistema de autónomos que no facilita las cosas cuando te dedicas a una profesión creativa. Se tiende a idealizar el mundo de la ilustración y no es así, de hecho es una profesión dura, realmente es muy complicado vivir plenamente de ella.

Tal como dices, y como sucede con la mayor parte de las profesiones creativas, parece que continúan manteniéndose ciertas barreras que tienden a tipificar estos trabajos y a infravalorarlos muchas veces económicamente. ¿Te has encontrado en alguna situación incómoda?

Sí, lamentablemente más de una vez. Continuamente nos llegan propuestas de “colaboración” o nos comentan que “nuestro presupuesto es limitado”. También he escuchado eso de “no podemos pagarte pero te haremos mucha publicidad”. Otra cosa muy habitual el “spec work” que es el trabajo especulativo. Esta práctica consiste en que una empresa lanza una convocatoria para un proyecto (generalmente a través de Internet) y varios creativos trabajan en diferentes propuestas, luego la empresa se decanta por un proyecto en particular dejando a los demás sin pagar. Es como una especie de concurso “low cost” y tenemos que luchar contra ello para que no se devalúe más la profesión. Esto no pasa en otras profesiones, no se nos ocurriría ir a un restaurante y pedir tres platos para al final pagar solamente por el que más nos guste, por ejemplo.

Además del trabajo creativo existe esa labor a veces invisible pero completamente necesaria de gestión y difusión. Es algo de lo que no se suele hablar, de todo ese trabajo promocional y de búsqueda de clientes que suele recaer también en una misma. ¿Cuál es tu caso?

Yo ocupo el 50% de mi trabajo gestionando mi empresa y el otro 50% dibujando. Hay mucho trabajo invisible: gestión de la web, redes sociales, mails, presupuestos, facturas, búsqueda de clientes y un largo etc.

Es algo para lo que no suelen prepararnos en la facultad… 

Según mi propia experiencia, en los años que estuve en la facultad en ningún momento se nos preparó para saber qué nos íbamos encontrar fuera, lo que es el mundo laboral. Una gran parte de la gente que sale de la facultad va a dedicarse a un proyecto propio (sea artístico, de diseño, de ilustración…) Estaría bien algún tipo de curso o contenidos que hagan hincapié en cómo encontrar clientes, cómo crear un portfolio… En definitiva, en cómo funciona el mundo laboral una vez terminas los estudios.

Ilustración de Pioneiras. Galegas que abriron camiño, 2018.

En cuanto a tu trabajo como ilustradora, has publicado libros tanto de literatura infantil y juvenil (Libro dos bicos) como otros títulos enfocados al público adulto (Fit girls). A la hora de trabajar, ¿son muy diferentes las directrices que se establecen para crear los diseños?

En mi caso la diferencia radica sobre todo en la temática, en qué es aquello que intento contar con la ilustración. Mi estilo de dibujo no varía mucho si hago un libro infantil o de adulto pero sí cambia el mensaje que comunico a través de la imagen. 

Te encargaste de las ilustraciones del libro Pioneiras. Galegas que abriron camiño (Xerais, 2018, con contenidos de Anair Rodríguez). Es una forma necesaria de reivindicar el papel de la mujer y hacerlo en un lenguaje ameno, que puede llegar a otro tipo de espectadores más allá de la investigación académica. Háblanos de esta experiencia, de cómo podemos reflejar la importancia de la mujer desde el ámbito creativo... 

Me encantó realizar el trabajo para Pioneiras. Primero, porque solamente conocía a una de las mujeres que aparecen en el libro y este tipo de proyectos en los que te dedicas un poco a la investigación me fascinan. En segundo lugar porque realmente era un libro muy necesario, el público infantil no tiene apenas referentes femeninos en los que verse reflejado ya que las mujeres raras veces aparecen en los libros de texto. Pioneiras muestra a varias mujeres valientes, que desafiaron lo permitido en su época y, además, de estratos sociales muy variados. En cuanto a la ilustración, quería que fuese un libro que les gustase tanto a niños como a adultos, por eso mi intención no fue la de hacer unas ilustraciones excesivamente infantiles.

Cuando realizas obras por encargo, ¿cuál es el planteamiento que te haces para poder comunicar en imágenes el mensaje que se pretende transmitir? 

Intento pensar qué tipo de imagen expresa mejor lo que el cliente quiere comunicar. A veces es cuestión de escoger una u otra técnica o algunos colores determinados para comunicar lo que se pretende. Eso forma parte del trabajo del ilustrador. Conocer las distintas herramientas que hacen que un tipo u otro de ilustración comuniquen cosas muy variadas.

También realizas ilustraciones personales y tienes una tienda online en la que ofreces diferentes productos. ¿Cómo es y cómo se ha ido construyendo tu marca?

La marca personal es importante, hay que cuidarla. En mi caso  la he ido construyendo poco a poco. Empecé con la tienda online mientras me iba haciendo un portfolio y lo mandaba a las editoriales. En esa época tenía tiempo y no podía invertir mucho dinero así que empecé a hacer pequeños objetos artesanales que iba vendiendo a través de Internet y en ferias especializadas. Considero importante tener un proyecto personal que pueda gestionar uno mismo y no depender exclusivamente de los encargos externos porque siempre hay meses con más encargos que otros. 

Promocionas tu marca a través de las redes sociales. Desde que comienzas a emplear este tipo de herramientas de interacción con el público hasta hoy, ¿ha aumentado la demanda y el reconocimiento de tu trabajo o es algo que se queda únicamente en el plano virtual?

Es cierto que con el paso de los años vas creando una comunidad online y considero que las redes sociales son indispensables a la hora de mostrar nuestro trabajo. Pero no por eso te aseguran más o menos trabajo. El reconocimiento se consigue trabajando, no teniendo un muchos seguidores. 

Es cierto que cada vez son más los creadores que promocionan su trabajo a través de su presencia en Internet. Sin embargo, tanta competencia hace difícil destacar sobre el resto y aplicar las herramientas de forma útil. Actualmente cuentas con más de 16.000 seguidores en Instagram. ¿Cómo has logrado el engagement y cuál es tu estrategia en redes?

En mi caso ha sido un camino largo. Yo empecé en Instagram en el año 2012 sin ningún tipo de estrategia. Finalmente vas intentando configurar una galería con cierto sentido estético. Vas mirando qué te gusta compartir y cómo hacerlo. Yo lo entiendo como un portfolio en el que vas interactuando con tus seguidores. Al final la diferencia entre unos y otros es la persona que está detrás. Somos todos diferentes y eso es lo que hace nuestro trabajo único.

Hablemos ahora de tus ilustraciones. No prima en ellas la representación realista sino que buscas la expresividad a través de la simplificación, transmiten serenidad a través de ambientes despreocupados. Alguna vez las has definido como naíf. ¿De dónde surge tu atracción por este estilo y qué quieres transmitir al aplicarlo en tus diseños?

Sobre todo me interesa provocar sentimientos en el espectador. El estilo es algo que he ido construyendo con los años y que está en continua evolución. Básicamente creo que es aquello con lo que yo me siento cómoda y se trata de una evolución natural, supongo que influye mucho lo que te inspira en cada época de tu vida y cómo te sientes emocionalmente. Para mí, el estilo va mucho más allá de técnicas y depende de cómo un autor comunica, forma parte del terreno conceptual.

Recientemente has publicado Gran Hotel Wes Anderson, un homenaje a este director de cine en el que das vida a su particular universo creativo, su biografía, sus temas, personajes y escenarios. ¿Cómo surge la idea de recrear la figura del director americano?

Conocí a mi editor, Javier (Lunwerg Editores), hace algunos años en Valladolid en un festival de ilustración en el que se hacían revisiones de portfolios. En mi portfolio llevaba una ilustración de Sam y Suzy, los protagonistas de la película de Wes Anderson Moonrise Kingdom (2012). Pasaron algunos años y Javier se puso en contacto conmigo para ilustrar el libro Fit Girls. Después me propuso la idea de realizar un libro tributo de Anderson pensando que mi estilo encajaba perfectamente para ello. Además, no había ningún libro publicado en España en el que se explicasen de esta manera las claves del estilo del director. Así que me puse con el proyecto a finales del 2017. 


Ilustración de Gran Hotel Wes Anderson, 2018

Además del contenido y la calidad visual, el libro plantea un interesante diálogo al tratarse de una creadora reinterpretando a otro. Una artista que mira a un cineasta y que lo hace cargada de todo un bagaje plástico, combinando sus propias herramientas de comunicación con otro estilo plástico y conceptual. ¿Qué hay de Wes Anderson en estas ilustraciones? 

En cuanto tuve de frente el propio estilo de Anderson me vi reflejada en muchas de sus pautas estilísticas. En mis ilustraciones utilizo mucho las composiciones frontales y los colores son semejantes también. Incluso encuentro conexión en algunas de las temáticas empleadas, como el caso de los personajes inadaptados.

Seguro que tienes multitud de referentes. Literarios, fílmicos, de las artes plásticas y de la ilustración… ¿Algún otro/a artista o cineasta sobre quien te gustaría trabajar?

Hay artistas y películas que siempre me han gustado pero no sé si serán una influencia directa en mi trabajo. Supongo que sí, aunque sea de manera inconsciente. En cuanto al arte siempre me han atraído René Magritte y Caspar Friedrich. Son referentes para mí. Luego en cine me declaro fan absoluta de Charles Chaplin, Buster Keaton, Alfred Hitchcock… y me encantaría trabajar algún proyecto sobre Jacques Tati o incluso Tim Burton.

Muchas gracias Nuria ¿Qué proyectos tuyos podremos encontrar próximamente?

Estoy trabajando en varios libros que se publicarán durante el segundo semestre de 2019. A la vez hago cosas de publicidad y encargos personalizados. Gracias a vosotras, un placer!

Puedes descargar la entrevista en Pdf Aquí


25/02/2019
Masterclass Ediciones de artista. Pirateando piratas

El próximo viernes día 1 de marzo se inaugura la exposición MONDO TRASHO en la Sala X, con la artista Sabrina Fernández Casas. Aprovechando la presencia de la artista con motivo del montaje de la exposición, este martes 26 de febrero impartirá la Masterclass Ediciones de artista. Pirateando piratas.

Masterclass 
Martes 26 de febrero
De 13.00 a 14.30h y de 16.00 a 17.30h SALA X
*Para obtener un certificado es necesario anotarse en cursos_bbaa@gmail.com

PIRATEANDO PIRATAS
Presentación de obras recientes de Sabrina Fernández Casas y de su colectivo MACACO PRESS. 

El objetivo de la masterclass es transmitir conocimiento sobre la actividad y posibilidades editoriales, la investigación en el arte, la autopublicación y sus diferentes usos y estrategias de difusión. También será la oportunidad de compartir experiencias sobre el trabajo en colectivo y hablar de la sostenibilidad de proyectos artísticos de carácter experimental. 

Sabrina Fernández Casas estudió en la facultad de Bellas Artes de Pontevedra y obtuvo su máster en el 2014 en la HEAD – Universidad de Arte y diseño de Ginebra (Suiza). En 2015 fundó la editorial pirata y colectivo «MACACO Press» junto con el artista argentino Patricio Gil Flood, para desarrollar proyectos de investigación, publicaciones y distribuir el material impreso mediante acciones en el espacio público. Entre 2015 y 2017, ha trabajado en la HEAD (Ginebra), como profesora invitada junto con Dora García y La Ribot. 

Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente, incluyendo KIOSKO Galería, Santa Cruz, Bolivia; Centro de Arte Contemporáneo de Ginebra; Kabinett des Salzburger Kunstverein (Salzburgo); Weserburg|Museum für moderne Kunst (Bremen); La Casa Encendida (Madrid); Southard Reid Gallery (London); Galería Bacelos (Vigo). Sus libros forman parte de colecciones importantes como The Library of the printed web, NY; MoMA Library, NY; Archipelago, Londres; Tate Library, Londres. 



19/02/2019
Becas de movilidad abiertas
Estas son las convocatorias de movilidad abiertas actualmente:

-Convocatoria BECAS PROPIAS 2019-2020 y Convocatoria BECAS IBEROAMÉRICA SANTANDER GRADO

Plazo: Hasta el 5 de marzo

Requisitos:
-Becas propias: Estar matriculado/a en el curso académico 2018-19 de 60 ECTS de la Universidad de Vigo y en el curso 2019-20 en el período de intercambio.
-Becas Iberoamérica Santander Grado: estar matriculado/a en el curso 2018/19 en titulaciones de Grado y en el curso 2019-20 en el período de intercambio.
-Presentación de propuesta de estudios (anexo III) por cada una de las universidades solicitadas firmada por el coordinador/a académico.

Dotación:
-3.000€ por estadía anual. En el caso de tener adjudicada una beca Iberoamérica Santander Grado la cuantía máxima por la suma de ambas será de 4.500€
-1.500€ por estadía cuatrimestral. En el caso de tener adjudicada una beca Iberoamérica Santander Grado la cuantía máxima que se recibirá será de 3.000€.

Becas propias, información completa y documentos aquí

Becas Iberoamérica Santander Grado, información y documentos aquí

-Convocatoria SICUE 2019/2020
Hasta el 13 de marzo
Toda la información y documentos aquí

-Convocatoria ERASMUS+  
Hasta lo 28 de febrero
Toda la información y documentos aquí



16/02/2019
Convocatoria SICUE 2019/2020

Requisitos a cumplir a 30 de septiembre de 2018:
-Tener formalizada la matrícula de un mínimo de 30 créditos ECTS en el curso 2018/2019
-Tener superados un mínimo de 45 créditos ECTS 
- No tener archivada la matrícula o suspendidos los derechos como estudiante de la
universidad.
- En el caso del estudiantado procedente de traslado, haber superado los 45 créditos
en la universidad a la que se trasladaron, en la cual solicitan la movilidad.

Condiciones de intercambio. La estadía en la universidad de destino tendrá una duración mínima de medio curso académico y máxima de un curso completo debiendo cumplirse, en cada caso, los siguientes requisitos:
- Estadías de curso completo: mínimo 45 créditos ECTS
- Estadías de medio curso: mínimo 24 créditos

Hasta el 13 de marzo

Toda la información y documentos en la web de la UVigo, aquí

Intercambios ofertados por la Facultad de Bellas Artes aquí (apartado de Estudiantes-Programas de movilidad-Sicue)



15/02/2019
Charla de Luis Sirvent sobre coleccionismo

La universalidad comienza en lo local. Hacia un coleccionismo de proximidad. Un punto de vista. 

Lunes 18 de febrero
18.00 horas
Espacio 14


Este lunes 18 a las 18.00 horas Luis Sirvent, coleccionista de arte, hablará de arte, de coleccionismo, del contexto cultural y de la necesidad de apoyar el arte contemporáneo gallego.

Organiza: Almudena Fdez. Fariña. Departamento de pintura. Facultad de Bellas Artes


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