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Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo

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17/05/2017
Entrevista a Irma Álvarez-Laviada

Sustentado en la práctica pictórica, el trabajo de Irma Álvarez-Laviada establece una investigación en torno al proceso donde se pone de manifiesto la potencialidad del residuo, reivindicando su empleo como elemento activo. El deshecho, embalaje o soporte que habitualmente compone la parte oculta del engranaje de producción de una obra artística emerge en este caso a la superficie, posicionándose como material principal y señalando el carácter procesual que envuelve cualquier creación plástica. En la misma tentativa de llamar la atención sobre lo que habitualmente permanece oculto, Irma Álvarez-Laviada explora el concepto de vacío interesándose por su capacitad de suscitar nuevos significados.

Irma Álvarez-Laviada cuenta con una interesante trayectoria artística que la ha llevado a exponer de manera individual en diferentes centros, movilizando también su obra en muestras colectivas de carácter nacional e internacional. Por otro lado, su trabajo ha sido reconocido en numerosas ocasiones con premios y residencias artísticas, entre las que podríamos citar la residencia de la Real Academia de España en Roma o la reciente Cité Internationale des Arts de París y el premio de la Fundación Botín. Su obra forma parte de colecciones como la del Ministerio de Cultura, la de AECID y la Fundación Antonio Gala en España o la Berezdivin Collection de Puerto Rico, entre otras. Actualmente expone su trabajo en la Cidade da Cultura de Galicia y en la Fundación RAC de Pontevedra.

Vista de la exposición Algo que ver, algo que esconder en la Fundación RAC. Foto: Jaime Olmedo

Tu trabajo parte de la pintura para después superarla, para pintar sin pincel. ¿Cuándo empiezas a darle la vuelta a la técnica?

En el año 2011, con motivo de una exposición tuve que vaciar el estudio de obra, lo que coincidió con un momento de crisis en el que me estaba cuestionando mis propios procesos de trabajo. Esto me llevó a un período de inactividad durante el cual continuaba acudiendo diariamente al estudio. Fruto de esa situación mi atención se vio atraída por los materiales de residuo, ya que era lo único que quedaba. Poco a poco empecé a documentar todos estos elementos y a ver que todos ellos apelaban, en cierto modo, a la ausencia de las obras. A partir de aquí comienzo una nueva metodología de trabajo.

Desaparece el punto de vista frontal, el lienzo deja de ser soporte… ¿la pintura se expande o se transforma?

Creo que en mi caso ni se expande ni se transforma, la pintura aparece a veces de una forma mas explícita y en otras se convierte en el eje que articula el trabajo.

Reivindicas el perfil estético del deshecho, de aquello que normalmente se mantiene ajeno a la exposición pero que forma parte del día a día de la práctica artística. ¿De qué manera articulas todos estos deshechos para convertirlos en objeto artístico?

Más que reivindicar el perfil estético del desecho lo que reivindico es su potencialidad como material de trabajo. Una vez seleccionado, el material se articula en función de sus potencialidades artísticas, explorando los matices que encierra y que a priori no parecía tener. Normalmente se da por hecho que un cartón o una cinta de embalaje no tiene la misma potencialidad que un lienzo en blanco.

¿Hay una parte de Ready made en todo esto?

Puede compartir con el Ready made la idea de la resignificación de los materiales, pero para mí es más importante resaltar el proceso de investigación. El acento recae en el proceso y no tanto en el objeto. En este sentido, el trabajo que estoy desarrollando se plantea más como una invitación al diálogo con los materiales.

En tu discurso está presente la idea de ocultamiento y de vacío. ¿Desde qué perspectivas abordas estos conceptos?

Para mí lo más relevante es el hecho de que el vacío no solo implica connotaciones de negación, sino también una riqueza discursiva enorme y me parece un terreno interesante para explorar. Las diferentes formas en las que el arte contemporáneo se ha venido acercando al concepto de vacío han sido a través del ocultamiento, lo velado, la ausencia, la desaparición de la materia, la huella… Lejos de quedarnos en el umbral, la cuestión es profundizar en qué ocurre cuando no hay nada. Lo que más me interesa del vacío es su capacidad generativa.


La línea Hedjuk, 2017.  70 metros de led. Foto: Miguel Ángel Delgado

Actualmente podemos observar las torres Hejduk de la Cidade da Cultura de Galicia transformadas con el proyecto La línea Hejduk, en el que propones, siguiendo tu línea de trabajo en torno al vacío, evidenciar el contorno de una tercera torre iluminando el perímetro del hueco entre las dos. ¿Cómo fue el proceso de investigación y materialización del proyecto?

Durante el proceso de documentación sobre Hedjuk leí en uno de sus textos una frase que marcó toda la propuesta: “La verdadera arquitectura es, precisamente, la que no se construye”. Cuando fui a visitar las Torres apareció ese espacio intermedio entre ambas que dibujaba una “tercera torre” invertida. Desde el primer momento el hueco se convirtió en el foco de atención. Dado mi trabajo sobre el vacío, me parecía un lugar idóneo para intervenir. Aprovechando la situación geográfica de las torres creí oportuno plantear una obra que pudiese ser vista dede de la ciudad y que dejara en evidencia, mediante la instalación led, el espacio entre ellas.

Es una pieza visible desde muchos puntos de la ciudad, que altera el perfil habitual de las torres y que, de alguna manera, las modifica como símbolo. ¿Resultó fácil lidiar con la administración para conseguir iluminar la pieza diariamente?

Cuando tienes que hacer una instalación en espacios poco habituales siempre surgen cuestiones que hay que abordar de una manera diferente. Precisamente en este caso las torres ya contaban con una programación lumínica y, por tanto, tuvimos que encontrar la forma de hacer convivir ambas propuestas. En ese sentido, salir de la famosa caja blanca siempre conlleva tener que conciliar distintos aspectos. Trabajar en esas circunstancias suele ser algo más complejo ya que uno mismo también pierde ciertas referencias y esto siempre es un reto. Hacer proyectos en espacios que se han sistematizado implica, de alguna forma, encontrar los cauces para llevarlos a cabo. En este caso la propuesta trata de integrar todas estas cuestiones y ponerlas en juego.

Este proyecto coincide en fechas con la muestra Algo que ver, algo que esconder, que puede visitarse en la Fundación RAC de Pontevedra hasta el próximo 20 de mayo. Tras exponer en diferentes espacios a nivel nacional e internacional, es la primera vez que muestras tus proyectos individualmente en Galicia. ¿Qué supone esto para ti y cómo valoras la escena artística de nuestro contexto?

Siempre es importante presentar tu trabajo de manera individual pero en mi caso hacerlo en Galicia, que es donde me he formado y el lugar donde hice mis primeras exposiciones colectivas, resulta especial. Por otro lado, creo precisamente que la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra ha aportado un rasgo menos academicista que otras facultades españolas y esto es un aspecto diferenciador. No es nada nuevo que Galicia cuenta con un panorama muy rico en cuanto a artistas, muchos han trascendido tanto a nivel nacional como internacional. Creo también que es un contexto interesante no solo en lo que concierne a las artes plásticas, también el cine o la literatura están teniendo un fuerte impulso.

A propósito de lo que comentas sobre la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, ¿cómo ha influido en tu trabajo artístico este carácter más conceptual o, como dices, menos academicista?

En mi caso ha sido muy positivo. Desde cursos muy tempranos nos enseñaban a enfrentarnos al desarrollo de las ideas con el objetivo de aprender una metodología de trabajo, dotándonos de una serie de herramientas decisivas para aquel que quiere abordar un proyecto artístico. Más que darnos respuestas, el profesorado incidía mucho en que cada uno de nosotros supiésemos formularnos las preguntas adecuadas. La idea del cuestionamiento y la duda sobre lo que uno hace es algo que está muy presente en los años de especialidad y creo que, sin duda, ésta es una preparación de lujo, una especie de entrenamiento de cara a lo que uno se va a ir encontrando una vez que abandona la carrera y empieza a dar pasos por sí mismo.

Cuestionas la condición y el significado otorgado comúnmente no solo a la pintura, sino al propio proceso creativo. Todo esto se despliega en la exposición, donde se distorsionan las fronteras entre pintura y escultura, entre pieza artística y material de trabajo ¿Cómo planteas la muestra para conseguir activar la mirada crítica del espectador?

Mi forma de plantear el trabajo tiene que ver con una cierta fidelidad a los materiales, en la medida en la que trato de no utilizarlos para desplegar una narrativa. Más bien intento conservar el valor intrínseco que poseen, articulándolos con una serie de conceptos que me interesan en relación a la práctica artística, pero reconociendo el límite que esto conlleva. Por eso esta exposición trabaja de una manera abierta con el espectador.

Muchas gracias por tu tiempo Irma. ¿Seguirás evidenciando aquello que se oculta en futuros proyectos?

Sí, en estos momentos estoy desarrollando el proyecto Reversibilidad y utopía gracias a la beca de la Fundación Botín, en el que precisamente estoy llevando estas inquietudes al terreno de la conservación y restauración de las obras de arte. Me interesan especialmente estas disciplinas ya que se prestan a muchos de los conceptos con los que trabajo. Muchas gracias a vosotros.



08/05/2017
PROYECTO ALIEN

El martes 9 de mayo la Facultad de Bellas Artes y la Casa das Campás acogen el PROYECTO ALIEN, que recoge la labor formativa de los solistas de verTIXE SONORA con los nuevos intérpretes de Galicia, visibilizando el trabajo en favor de la inclusión de la música contemporánea en el ámbito educativo y la identificación de la excelencia en el territorio. En esta ocasión, Pablo Coello, saxofonista y director musical de Vertixe Sonora, presenta dos programas elaborados en las aulas de Saxofón y de Música Contemporánea del Conservatorio Superior de Música de A Coruña.



Programación:

  • 12:00 h FACULTAD DE BELLAS ARTES DE PONTEVEDRA

ELECTRIC- Xperience
James Tenney (USA, 1934-2006) SAXONY (1978)
saxofones y cinta/sistema`delay’
Kaija Saariaho (Finlandia, 1952) LACONISME DE L’AILE (1982)
flauta y electrónica
Per Bloland (USA, 1969) QUINTET (2005)
saxofón alto y electrónica en vivo
ENSEMBLE IXOR (CSM de A Coruña)
Luis Herades saxofones / Carlota Salgado flauta

  • 20:00 h. CASA DAS CAMPÁS

SAX-Xperience
Christian Lauba (Francia, 1952) ARS (1994)
dos saxofones sopranos
Christophe Havel (Francia, 1956) OXYTON (1991)
saxofón barítono
José Manuel López (España, 1956) CON CADENCIA DE
ETERNIDAD (1988, rev. 2000)
saxofón barítono y electrónica
Gérard Grisey (Francia, 1946-1998) ANUBIS - NOUT
(1983/1990)saxofón bajo
Sofía Gubaidulina (Rusia, 1931) DUO SONATA (1977)
dos saxofones barítonos
Germán Alonso (España, 1984) EL GRAN CABRÓN (2012)
saxofón barítono y electrónica en vivo
ENSEMBLE IXOR (CSM de A Coruña)
Moisés Barreiro saxofones soprano, barítono y bajo
Xurxo Fernández saxofón barítono
Lucas Guzmán saxofones soprano y barítono


04/05/2017
Conferencia de Beatriz Alonso

Beatriz Alonso, comisaria e investigadora, impartirá la conferencia En los sueños comienzan las responsabilidades.
Lunes 8 de maio a las 18.30 horas. Espazo 14.
Organiza: Almudena Fernández Fariña. Departamento de Pintura.





28/04/2017
Convocatoria Erasmus + Prácticas para el curso 2017-2018

Se ofertan  un mínimo de 65 plazas para realizar una de estadía de un mínimo de 2 meses de duración. El primer plazo de solicitudes está abierto en la actualidad hasta el día 30 de junio de 2017 para el alumnado que cumpla los requisitos contenidos en la convocatoria que (muy resumidos) son los siguientes:

- Modalidad A) Alumnos: Estar matriculado en la Universidad en
estudios de Licenciatura, Diplomatura, Ingeniería, Grado, Máster o Doctorado. Haber superado por lo menos el 50% de los créditos de que consta la titulación (excepto para el caso de Máster y Doctorado).

- Modalidad B) Titulados Recientes: Alumnos que finalizan su
titulación oficial universitaria en el curso 16-17. Podrán realizar las prácticas como titulados recientes en los 12 meses inmediatamente posteriores a la finalización de sus estudios universitarios. IMPORTANTE: Los titulados recientes solo pueden presentar su solicitud hasta el 31 de junio de 2017.

-Tener un nivel mínimo del idioma en el que se vayan a desarrollar
las prácticas de B1 (Los alumnos que realizaron un período de movilidad previa, pueden estar exentos, dependiendo del país/idioma en el que se haya desarrollado la estadía previa. Existen más exenciones para la acreditación del idioma contenidas en la convocatoria). Es necesario acreditar el conocimiento del idioma antes del inicio de la movilidad.

-Contar con la carta de aceptación firmada por la empresa y por un tutor de prácticas de la Universidad, que puede ser un profesor del centro de la elección del alumno o, en el caso de prácticas curriculares, el propio profesor responsable de esa materia.

Una vez cerrado el primer plazo de presentación de solicitudes se abrirá un segundo plazo que cerrará el 31 de octubre y, de existir vacantes, se abrirán los siguientes plazos previstos en la convocatoria. Las prácticas para el primer plazo de solicitudes podrán tener lugar entre lo 1/09/2017 y el 31/08/2018.

La cuantía de la bolsa Erasmus prácticas oscila entre 300? y 400? dependiendo del país de destino y es compatible con las ayudas que voluntariamente otorgue la empresa.

Podéis encontrar más información en:
http://www.uvigo.gal/uvigo_gl/administracion/ori/uvigo/erasmus_practicas.html


26/04/2017
Calendario de preinscripción y matrícula en el programa de doctorado 17/18
Calendario de preinscripción y matrícula para el Doctorado en Arte Contemporáneo para el curso 2017/2018



25/04/2017
CHARLAS INFORMATIVAS. SELECCIONADOS/AS EN PROGRAMAS DE INTERCAMBIO INTERNACIONALES CURSO 2017-18

- Campus de Orense

A las 14:30 horas del 25 de abril en el Salón de Grados de la Facultad de Ciencias Empresariales y Turismo.

- Campus de Pontevedra:

A las 14:00 horas del 27 de abril en el aula 1 de la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación.

- Campus de Vigo:

A las 13:30 horas del 26 de abril en el Salón de Actos de la EU de Estudios Empresariales.

A las 12:00 horas del 28 de abril en el Salón de Actos de la Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales.

*El alumnado, aunque las charlas están distribuidas por campus o por Facultades/Escuelas, puede asistir a las charlas que más le interesen por día, hora o lugar.


20/04/2017
Entrevista a Jorge Perianes

Continuamos nuestra sección de entrevistas hablando con Jorge Perianes, artista plástico cuyo perfil estético transita entre lo pictórico y lo escultórico y cuya intención conceptual se enfrenta a preocupaciones universales donde la muerte, el tiempo o la naturaleza funcionan como ideas constantes. Poblado de referencias a elementos cotidianos, de imágenes extrañas que logran poner en jaque nuestras propias creencias, su trabajo funciona más allá del universo plástico, estableciendo vínculos con diferentes campos del pensamiento.

Actualmente está representado por la galería Max Estrella de Madrid y ha expuesto en diferentes instituciones y espacios artísticos a nivel nacional e internacional. Su obra forma parte de varias colecciones nacionales e internacionales como la del CGAC, Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela; MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León o la Colección olorVisual de Barcelona, entre otras.


                     

                               S.t., 2016. Cristal y resina de poliester coloreada.

¿Cuáles eran tus preocupaciones, formales y conceptuales, cuando estudiabas Bellas Artes y cómo consideras que has madurado como artista?

Mis preocupaciones básicas cuando estaba en la facultad eran formarme y leerlo todo y, en realidad, no han variado mucho estas premisas (demuestra cierto grado de ingenuidad, quizás) y tampoco puedo considerarme maduro en casi ningún aspecto. Tal vez una búsqueda de mínimos, un intento de depuración y destilación de esencias puedan considerarse un avance. Por otro lado, el público estuvo muy presente en mi pensamiento en mis inicios, ahora también pero de forma diferente (con menos concesiones, por ejemplo).

Tus obras juegan a alterar la percepción de lo real, provocan sensaciones enfrentadas para ofrecer nuevos puntos de vista sobre lo que vemos o concebimos como establecido. ¿Qué cuestiones te interesa explorar?

Me interesa explorar al ser partiendo de sus extremos, tratando de cercarlo; el ser en su más amplio sentido, con todas sus ambigüedades y complejidades. Considero que mis preguntas son las clásicas (la naturaleza, la muerte, el tiempo, etc.), seguramente las que cualquier persona se plantea. En todo caso, espero que cualquier tipo de arte nos enfrente siempre a ellas, sin subterfugios y con profundidad.

¿Cómo se inicia tu interés por investigar y construir estos diálogos perceptivos?

Mi interés por investigar lo inicia una curiosidad vital, propia; la construcción es un esfuerzo de transmisión y un intento de diálogo con el público, así que se inicia a partir de la demanda y la posibilidad que me fueron dando para realizarla y desplegarla en espacios expositivos. Considero que es sano y medianamente obligatorio el establecimiento de los cauces adecuados para que esto se pueda seguir fomentando, estableciendo así el diálogo vivo con las generaciones sucesivas; nos enriquece a todos.

La muerte es una de las constantes que manejas en tu trabajo, que a su vez se relaciona con la naturaleza y el ser humano, ¿desde qué perspectivas abordas estos conceptos?

La muerte siempre como el no ser, asociada de esta forma a la idea de tiempo y construcción, y todos los elementos que entran en estos conceptos (su representación y la manera que tienen de entenderse o encubrirse). Es un tema amplio, conviene formarse en él a nivel literario, sociológico, filosófico, neurológico, etc. y traducirlo a nuestro campo: el plástico. Es un trabajo a tiempo completo, que evoluciona con la edad (o debería hacerlo). No se puede resumir en palabras, pero tal vez sí en una imagen o una serie (ojalá).

Empleas símbolos propios del día a día, combinando objetos amables con elementos que trasmiten la idea de demolición, de fragilidad. ¿Qué lecturas o sensaciones esperas por parte del espectador?

Espero que se pueda plantear todo lo que subyace bajo cualquier tipo de construcción, ya sea natural o humana, esa belleza sorda y fría, frágil y dura, efímera e infinita; un eco que se repite, confunde y angustia por su insistencia y exaltación renovada (no es esto una crítica).


            

             S.t., 2014. Reloj analógico, poliestireno expandido, resina de poliester y pintura acrílica.

Has ido modificando tu obra, pasando de un perfil más barroco y narrativo a fórmulas más pulidas. ¿Cómo vas introduciendo estos cambios y qué suponen en tu trayectoria artística?

Me gustaría que se fuesen introduciendo de manera natural y coherente. En arte no debe haber una intención consciente (entendida como un fin diferente al arte mismo) en cada una de sus líneas de planteamiento o trabajo. Ante todo debe imperar una curiosidad real seguida de una investigación continua y un planteamiento honesto para contigo mismo y con el público. El arte tiene la magia de ser algo vivo al que le es imposible mentir (en su nivel más esencial). El sarcasmo huele, y huele a podrido, porque es señal de muerte próxima.

Al principio tu trabajo transitaba entre lo pictórico y lo escultórico, de hecho, te inicias en el mundo del arte como pintor. Actualmente parece que te inclinas más hacia la exploración de la arquitectura y el volumen. ¿Sigues encontrando inspiración en la pintura?

Por supuesto, la pintura es la base, es misterio puro. De ella parte todo. Es, además, el arte más radical que existe en el momento actual y ello es debido precisamente al concepto tiempo (entre otras muchas cosas): el que la pintura exige es opuesto al que demanda el zeitgeist actual.

Trabajas mucho la relación espacial, procurando que las obras se inscriban en una atmósfera determinada. ¿Qué características contemplas a la hora de exponer tus piezas?

El espacio manda, es prioritario, imposible obviarlo. Con todo, no es lo mismo plantear en bloque todo un proyecto que adaptarse a uno complejo y con pocos medios. De todas formas los retos me gustan, trabajar con la cabeza es absorbente y fascinante, por eso sigo haciendo arte.

Actualmente participas en la exposición colectiva Da árbore á cadeira. A madeira e a súas artes en el Museo Centro Gaiás de la Ciudad de la Cultura. Allí has creado la instalación Sin título. Háblanos de este proyecto y de cómo se ha gestado la pieza.

Se gestó como todas las de estas características, muy lentamente. Primero en un diálogo con el curador para definir unos mínimos y tratar de aunar y equilibrar propuestas (siempre con la mayor libertad), o sea, un diálogo con la línea teórica de la exposición. Después, un diálogo con el espacio que me ha sido asignado y luego un diálogo con mi propia línea de discurso y con las ideas nuevas que el proyecto me sugiere. Por último, también supuso un diálogo con los montadores e incluso con los guardas de seguridad, etc. (al convivir varios días con ellos). El diálogo final es el que se establece con el público. Es, pues, un proceso largo y depurado en el que lo más importante es, cómo no, el logos.

Has expuesto en diferentes espacios nacionales e internacionales, tus piezas se han vendido en ARCO y estás representado por la galería madrileña Max Estrella, ¿qué aspectos destacarías de tu trayectoria profesional y cómo encuentras la escena artística actual?

Mi trayectoria la analizo (desde mi perspectiva, claro) como lenta pero con pasos todo lo medianamente sólidos que permite un contexto como el español. De la escena se puede decir que tiene el mérito de ser luchadora e insospechadamente renovada en energías y ánimo, y eso que no es camino fácil! A veces puedo entender que muchos hayan tirado la toalla, no vivimos el mejor momento para el gremio… y la vida es corta (y las energías). Además, hay que pagar las facturas y tratar de llevar una vida adulta (económicamente hablando), un imposible las más de las veces. Espero respuestas políticas al tema y un mundo más honesto (por todas las partes).


Como artista dices que valoras los retos, continuar investigando sin asentarte en un estilo fijo. ¿Tienes alguna nueva meta entre manos?

Mi meta es leerlo todo (repito, cerrando el círculo) y ya no por afán de conocimiento, tal vez esto se haya convertido para mí en una tara, no lo sé. En todo caso, solo espero que pueda traducirse en una tara productiva puesto que se corre siempre el peligro de melancolía inoperante (recordemos el magnífico análisis de Burton, por recomendar un texto).



18/04/2017
Convocatoria de Becas Santander Grado 2017-18.


Destinada a estudiantes de Grado interesados en realizar un cuatrimetre de estudios en América Latina.


Bases e información


*En el momento de realizar la estadía, los/las estudiantes deberán tener superados 120 créditos.

Dotación de la beca: 3000 euros

Plazo límite de presentación de solicitudes: 28 de abril de 2017



18/04/2017
Becas Iberoamérica. Santander Investigación

Convocatoria de una beca Santander Investigación destinada a estudiantes de Tercer Ciclo. El objetivo es reforzar la movilidad de jóvenes profesores e investigadores de doctorado entre universidades y centros de investigación iberoamericanos.


Destinatarios: profesores e investigadores de Tercer Ciclo menores de 35 años.
Dotación: 5000 euros

Plazo: hasta el 5 de mayo de 2017


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