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Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo

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Facultade de Bellas Artes de Pontevedra.
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‣ Noticias

17/11/2017
Calendario de presentaciones TFG convocatoria extraordinaria noviembre 2017

Calendario de presentaciones TFG convocatoria extraordinaria noviembre 2017



13/11/2017
Conferencia "Cerámica y función"

Impartida por Miguel Vázquez
Presentada por Chelo Matesanz.
Jueves 16 de noviembre a las 18.30h en el Espacio 16 de la Facultad.




05/11/2017
Taller de video 360º con Carlos Seijo

Días 7  y 14 de noviembre
Turno de mañana de 10.00 a 13.00 h
Turno de tarde de 16.30 a 20.00 h

*El taller tiene una duración de dos días, la asistencia implica acudir solamente a uno de los turnos.




24/10/2017
Charlas + taller. Mujeres detrás de la cámara: el relato autobiográfico.



Dos cineastas gallegas nos acercan a algunos de sus referentes creativos así como a su manera de trabajar y entender el cine.

Andrea Zapata-Girau viajará a través de diferentes creadoras que trabajan con el relato autobiográfico. También se comentarán framentos de su propia filmografía y se animará a los alumnos a realizar un ejercicio práctico en torno a los ejemplos tratados en las dos sesiones (de mañana y tarde).

Xisela Franco realizará una aproximación a algunas de sus películas artísticas al tiempo que éstas le sirven de hilo para transitar por conceptos como el "cine en primera persona", "cine ensayo", "ciema de proceso", o "cine de museo". Vinculada desde hace 15 años al cine experimental y al arte contemporáneo, esta creadora trabaja justamente en esa intersección desde la que alumbra nuevos caminos teórico-prácticos para el cine contemporáneo.

Charla Andrea Zapata-Guirau: miércoles 25 las 12:00h
Charla Xisela Franco: jueves 26 las 12:00h

Taller:
Miércoles 25 y jueves 26 de octubre de 12:00h a 14:00h y de 16:00h a 18:00h

Las actividades tendrán lugar en la Facultad de Bellas Artes. Para obtener un certificado de asistencia es necesario enviar un e-mail con el nombre y apellidos y e-mail la sdfba@uvigo.es.

Esta actividad cuenta con el patrocinio de la unidad de igualdad de la Uvigo.


24/10/2017
Exposición Ilusionismo persistente. Luis Bueno

ILUSIONISMO PERSISTENTE

Luis Bueno

Del 25 de octubre al 11 de noviembre de 2017
INAUGURACIÓN, MIÉRCORES 25 DE OCTUBRE A LAS 13.00 H.
De lunes a viernes, de 12 a 14 h y de 19 a 21 h.
 
SALA – X. Sala de Exposiciones del Campus de Pontevedra
Facultad de Bellas Artes.  Rúa Maestranza, 2 - 36002 Pontevedra
                                                                                                                                              DESCARGAR NOTA DE PRENSA


Las obras que integran la muestra Ilusionismo persistente, son parte de los resultados de un proceso de investigación y creación que Luis Bueno inicia en 2012 con su Trabajo Fin de Grado, y que desemboca en la tesis doctoral "El Ilusionismo Persistente. Cuestionamientos de la representación pictórica en el arte contemporáneo", defendida recientemente en la Facultad de Bellas Artes. Durante estos años su producción artística nutrió el análisis, la interpretación y el desarrollo teórico (o a la inversa), siendo esta exposición un ejemplo más de la singularidad de las aportaciones en la investigación en Bellas Artes y la evidencia de la capacidad del arte para generar conocimiento propio.
 
Almudena Fernández Fariña
Comisaría da exposición


19/10/2017
V convocatoria programa IACOBUS


La V convocatoria del programa IACOBUS permitirá que PDI, personal investigador y PAS de las universidades de la Eurorregión Galicia-Norte de Portugal realicen estadías en las universidades participantes en el programa con el objetivo de contribuir a fomentar la cooperación entre las instituciones de Enseñanza Superior de Galicia y del Norte de Portugal.

Las Bases, acompañadas de otra información de interés, están publicadas en la Plataforma Web de IACOBUS:

http://iacobus.gnpaect.eu/gl/descargas

Las estadías de la Convocatoria del Programa IACOBUS se deberán llevar a cabo desde el 1 de febrero hasta el 30 de junio de 2018.

La elaboración y presentación de las candidaturas se efectuará a partir del día 23 de octubre de 2017 y hasta el día 19 de noviembre de 2017 a las 23:59 h (hora española).

El anexo I, de invitación para recibir a los participantes portugueses deberá ir firmado por:

 -En el caso del PDI y de los investigadores en el marco de programas, por los directores/las de departamento correspondientes.

- En el caso del PAS, por el responsable del servicio correspondiente.

El anexo II en el que se autoriza a los/a las solicitantes a participar en el programa deberá ir firmado por:

 -En el caso del PDI y de los investigadores en el marco de programas, por los directores/las de departamento correspondientes.

-En el caso de investigadores en el marco de proyectos, por los investigadores principales.

-En el caso del PAS, por la Gerencia.

Se ruega el envío de una copia escaneada de estos documentos a la ORI (Oficina de Relaciones Internacionales)

- Modalidades de pago: PDI (Personal Docente e Investigador) 600 euros por semana, duración mínima de una semana y máxima de dos; PAS (Personal Administrativo de Servicios) 600 euros por semana, máximo una semana; Personal investigador 800 euros al mes, mínimo un mes y máximo tres.


17/10/2017
Da arte sonora e da música contemporánea 2º Edición


Da arte sonora  e da música contemporánea
2º Edición

Ciclo organizado por el Grupo de Investigación DX7
en colaboración con Vertixe Sonora
Coordinación: Ignacio Barcia / Ramón Souto
Facultad de Bellas Artes de Pontevedra

Orientado al público en general interesado en la creación artística y la creación sonora. Inscripcións a los talleres en la Secretaría del Decanato. sdfba@uvigo.es


Xoves 19 de outubro

- ESPAZOS COMPARTIDOS: ESPAZO, MATERIAL E ESTRUCTURA NA CREACIÓN SONORA
Obradoiro por LULA ROMERO
Xoxes, 19 de outubro - 16,30 a 20,30 h
Venres, 20 de de outubro - 10,30 a 14,30
Espazo 25
Facultade de Belas Artes

-SISTEMAS INTERACTIVOS PARA MÚSICA
Obrador por TYCHONAS MICHAIDILIS (Southampton University)
Xoves, 26 de outubro - 16,30 a 20,30 h
Espazo 25
Facultade de Belas Artes


09/10/2017
Comunicado de apoyo al Marco de Vigo aprobado en Junta de Facultad

Comunicado de apoyo al Marco de Vigo aprobado en Junta de Facultad


05/10/2017
Entrevista a Rosendo Cid


Licenciado en la especialidad de escultura, Rosendo Cid construye un trabajo en torno a la reflexión sobre la imagen y sus posibles derivas combinando diferentes lenguajes plásticos. A través de su obra se refuerza la idea de ensamblaje; un collage que se materializa tanto en el clásico corta y pega, desde el que desenvuelve un universo onírico donde también está presente el análisis sobre la Historia del Arte, hasta trabajos escultóricos o fotográficos que se preguntan por la capacidad del objeto para reconvertir su aspecto y su función. También cuando se aproxima al género literario Rosendo Cid experimenta con la combinación de palabras y dibujos, crea aforismos y reestructura el sentido de las frases para darle la vuelta a los relatos establecidos.

Rosendo Cid ha mostrado su obra en espacios como el CGAC, la Fundación Granell y la galería Metro de Santiago de Compostela, el Museo Municipal de Ourense o la galería Extéril de Oporto, entre otros. Además, ha participado en exposiciones colectivas como Afluentes. Os anos circulares; el 24 Premio Internacional de Gráfica Máximo Ramos (Centro Torrente Ballester, Ferrol 2014) o varias de las ediciones del Premio Auditorio de Galicia para Novos Artistas y de la Mostra Internacional Gas Natural Fenosa. Es autor de los libros 5000 veces pintura, 365 maneras de estar en el mundo y Eduardo Torres. El hombre que rayaba periódicos.

Serie Objetos espontáneos.

Tu obra abarca varias ramas creativas, buscando combinarlas y reflexionar sobre su confluencia. Escultura, dibujo, literatura, fotografía… ¿De qué forma entiendes la hibridación en el arte?

Entiendo que el arte ya es por sí mismo una herramienta híbrida, llena de posibilidades y susceptible de emplearse a través de cualquier tipo de material o concepto, con lo que todo puede mezclarse o combinarse entre sí en un momento dado. Y eso es lo que más me interesa; y de ahí que no quiera centrarme en una sola categoría o técnica aún a riesgo de ser una especie de no experto en diferentes cosas.

En alguna entrevista has hablado de la importancia del azar. ¿Qué papel juega en tu trabajo?

Es un tipo de azar buscado, fruto de la insistencia y del trabajo diario. Podría explicarlo tal vez como algo que no responde a lo que pretendía de salida pero que cuando aparece acabo por reconocerlo y hacerlo mío, llegando a resoluciones que no hubiera pensando de antemano.

Esta idea recuerda a movimientos como el dadaísmo, donde el azar y el absurdo ocupan un espacio esencial, al tiempo que conllevan una reflexión consciente sobre la naturaleza de las prácticas artísticas y sus formas de legitimación. ¿Existe alguna identificación, formal o conceptual, con este grupo en tu trabajo?

Sí. Aunque te diría que en realidad me identifico con cualquiera que tenga estas bases de trabajo, ya sea de la actualidad o de otras épocas. Por decirlo de otro modo, prefiero identificarme más que con un artista o movimiento en particular con un espíritu de trabajo inconformista que busque nuevas posibilidades y caminos propios.

Aplicas el humor y la ironía, algo que de nuevo podría conducirnos al dadá. En tu caso, ¿es también una declaración de intenciones?

Todo trabajo es una declaración de intenciones y pretensiones. Es verdad que en algunas obras empleo el humor o la ironía aunque no siempre y, a veces, con una sencilla intención de eliminar, si esto es posible, esa cierta solemnidad que en ocasiones rodea al arte.

Estilísticamente tu obra se significa desde lo mínimo, tiende a ejecutarse de forma simple y precisa, sin artificios. A nivel formal, ¿qué aspectos de la imagen te interesa explorar?

Más que los aspectos de una imagen me interesan las relaciones que puedan aparecer en la combinación con otras, cosa que igualmente ocurre con mi trabajo con los objetos. Muchas de las imágenes que elijo y acumulo, por ejemplo, para luego realizar collages, no acabo por emplearlas nunca pues no soy capaz de encontrar ninguna combinación con otras que establezca un diálogo formal o de contenido que me interese.

El ensamblaje es una estrategia plástica muy habitual en tu obra, pero lo entiendes de manera expansiva, aplicado tanto al collage clásico como a piezas donde entran en juego otros formatos. ¿Qué buscas al emplear esta técnica?

Busco llegar a algo lo más esencial posible, influyendo lo mínimo sobre los materiales o sobre las imágenes que encuentro o elijo. Esos materiales poseen historias, texturas... en algunos casos muy potentes como para que yo incida sobre ellos y los manipule cambiándolos por completo. La cantidad de cosas, objetos y fragmentos que existen en el mundo, cargados con más o menos significados, es tan grande y tan rica que ya aporta el suficiente juego como para combinarlos entre ellos.

En muchos de tus proyectos editoriales, como El hombre que rayaba periódicos o Libros que nunca se escribieron, entre otros, se aprecia la intención de jugar con las palabras, de generar cierta expectativa y señalar la dicotomía entre lo real y lo ficticio.

Sí, el juego de lo real y lo ficticio es verdad que es muy jugoso y genera cierta expectativa. Recuerdo que cuando creé a mi alter ego, Eduardo Torres (El hombre que rayaba periódicos), para una exposición de artistas falsos que organicé no tenía intención de descubrirlo pero siguió creciendo luego de esa exposición y ya, con la posterior edición del libro del mismo nombre, acabé por confesar que era yo. Sin embargo, nada cambiaría si no lo hubiera descubierto y los “rayados” de Eduardo Torres seguirían su curso. Con esto quiero decir que en ciertos casos, hablando de arte, no debería importar demasiado qué es real o qué no lo es, si no lo que estamos contando. Siempre mantengo que el arte es pura ficción. Dicho esto, es verdad que modificamos nuestra percepción después de saber si algo es o no verdadero. Recuerdo que una de las referencias en las que me basé para el proyecto de Libros que nunca se escribieron fue el libro de R. Bolaño La literatura nazi en América (1996), una antología falsa de escritores filonazis. Antes de llegar a ser publicado el manuscrito pasó por varias editoriales, algunas de las cuales creyeron que era una antología real, sin ver el juego, de ahí que lo rechazaran. En el caso del lector, por ejemplo, si piensa que el libro es real tal vez no le interese demasiado, tomándolo como un compendio curioso de gente excesiva y extravagante. Por el contrario, si sabe que es pura ficción lo acepta de otra manera. Sabiendo que es una mentira, construida con unas expectativas y con una evidente previsibilidad, se siente más cómodo en cierta forma. Cuando nos quedamos en esa zona en donde se mezcla realidad y ficción, como el trabajo que señalas de Los libros que nunca se escribieron o el de Pinturas monocromas, lo que busco es producir un cierto desasosiego o quizá permanecer en un lugar intermedio. Los espacios intermedios me resultan cómodos en cierto modo porque no me gusta definir algo, lo que sea, en una sola dirección; me interesa pensar que una pregunta puede tener varias respuestas y todas válidas.

Serie Objetos encontrados, 2014.

En 5000 veces pintura, tu último proyecto editorial, reflexionas en torno al propio término, buscando un poco sus entresijos e ironizando sobre las grandes verdades o las frases categóricas. Se produce un choque entre la verdad y su antítesis, paradojas que nos dejan pensando en la imposibilidad de abordar la pintura desde una sola óptica. En este sentido, diría que el libro se sitúa entre lo serio y lo lúdico. ¿Cómo fue el proceso de escritura? ¿Buscabas inspiración en algunas lecturas o preferías huir de ellas para no contaminarte?

El proceso fue de búsquedas y encuentros, de experimentación y de juego y de deambular por zonas que en apariencia no están tan relacionadas con la pintura. Diría, a partir de esto, que es incluso un libro más literario que artístico al decidir basarme en reflexiones y asuntos muy diferentes, aunque en realidad acaba permaneciendo un poco en ambos campos, cosa que no me incomoda en absoluto. A veces partía de frases publicitarias que luego modificaba, a veces de titulares y otras veces de mi confrontación personal con el hecho pictórico. Fueron unos cinco meses pendiente de que todo lo que veía o leía fuera susceptible de volcarlo hacia esa experiencia. Quise escribir, en definitiva, sobre la capacidad expansiva pero a la vez fragmentaria de la pintura, cosa que igualmente entiendo que es el arte. Y por eso el uso del aforismo o de la sentencia breve, más maleable y directa tanto para mí a la hora de escribirlo como para el lector a la hora de afrontarlo.

Esas mismas ideas que encontramos en el libro, ¿podrían aplicarse también a la escultura?

En algunos casos tal vez, en otros no, ya que todo medio tiene sus limitaciones y particularidades. Hay frases que pueden extrapolarse a la escultura claramente, otras a la poesía, algunas a la fotografía, etc. Supongo que quien lo lea hará unas u otras relaciones porque en realidad lo escribí con esa idea de expandir los límites.

Después de tantas frases y aforismos, ¿cómo concibes el arte en el panorama contemporáneo?

Esta pregunta puede tener muchas vertientes, la verdad. Entiendo que el arte como práctica no tiene que buscar excusas para existir, ni tratar un tema u otro en particular para ser más o menos determinante dentro de una sociedad. El arte siempre estará ahí como práctica simbólica dispuesta como herramienta para quien quiera expresar sus inquietudes, sus reivindicaciones, sus sentimientos... otra cosa es que pueda “practicarse” con garantías y en unas condiciones adecuadas, o que se den las circunstancias para que resulte imprescindible dentro del entramado de una sociedad.

Recientemente has ganado un concurso de comisariado para la Zona C de Santiago de Compostela, que se inaugurará próximamente bajo el título Un cuarto propio. Partiendo de referencias literarias, en concreto del libro del mismo título que Virginia Woolf escribió en 1929, la muestra explorará las diferentes implicaciones de la mujer en la sociedad a través de la mirada de Rosa Neutro. ¿Cuál es tu punto de vista sobre el tema y cómo concibes la presencia de la mujer en el espacio de la cultura?

A pesar de que han cambiado muchas cosas y la presencia de la mujer es mayor en el mundo de la cultura aún hay mucho que avanzar (y no solo en el mundo de la cultura). Hasta no hace tantos años una mujer artista, escritora, autora en definitiva, tenía unas dificultades numerosas y evidentes de salida… desde carecer de modelos de sensibilidad femenina en los que reflejarse, ya que la historia los había silenciado o marginado, hasta las circunstancias y condiciones en las que tenían que crear, que no eran sencillas ni mucho menos. Afortunadamente se ha avanzando en cuanto a la recuperación de esas autoras que han permanecido en los márgenes o directamente han sido anuladas. Y es importante recuperar esas referencias. Porque sin referencias ¿qué somos? La interpretación del pasado es importante para proyectarse al futuro con las garantías de no cometer los mismos errores. En fin, es este un tema extenso para analizar por lo que solo quiero señalar que cualquier postura excluyente, y ha habido y aún hay muchas, ha de evitarse a toda costa. Excluir unas voces, unas maneras de ver el mundo o de sentirlo, nos hace más pobres y más encerrados en nosotros mismos, reduciendo nuestra percepción y entendimiento de la vida.

Desde tu perfil de artista, ¿cómo te enfrentas al ejercicio curatorial?

De las tres exposiciones que he realizado todas tienen un claro componente literario que tal vez defina mi manera de enfrentarme a ese ejercicio, buscando un punto de vista más creativo y no limitarme a reunir y exponer una serie de obras sin más. Trato de ser activo con lo se muestra y que el aparato teórico y la obra se entrelacen y dialoguen para, en la medida de lo posible, provocar y generar significados, certezas al menos. Probablemente me enfrento a ese ejercicio basculándome más hacia aspectos artísticos que organizativos.

También estás preparando una exposición para la Fundación RAC. ¿De qué se trata?

Aquí trato directamente lo que hablábamos antes respecto a ese azar particular y a ese diálogo con materiales encontrados o que he recuperado de piezas erróneas… abriendo así con este último punto el asunto del error, presente en todo acto creativo y, por qué no decirlo, motor fundamental de toda creación que debe a esos fracasos o a esos errores la consecución de una pieza, de un texto... El error, en definitiva, como parte necesaria. La muestra se compone de diferentes montajes o piezas, en algunas de las cuales empleo el texto como parte principal.

Muchas gracias Rosendo. ¿Podrías dejarnos alguno de tus aforismos en exclusiva para Bellas Artes?

Pues... Las Bellas Artes no son necesariamente bellas.



28/09/2017
Listado definitivo de admisiones, lista de espera y exclusión en el programa de Doctorado Creación e Investigación en Arte Contemporáneo curso 17/18

Listado definitivo de admisiones, lista de espera y exclusión en el programa de Doctorado Creación e Investigación en Arte Contemporáneo curso 17/18 



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